Otuz yılı aşkın bir süredir eleştirmen olarak klasik müziğe olan tutkumu paylaştım. Ayrıca sahadaki hayal kırıklıklarını da dile getirdim. Tüm sahne sanatları içinde benimki en muhafazakar olan, uzak geçmişten gelen eserlerin çekirdek repertuarına en çok takılanı oldu.
Büyük orkestralar ve opera şirketleri, yaşayan bestecilerle ilişkileri geliştirmeyi birinci öncelik haline getirmeli ve kadın ve azınlık sanatçıları güçlendirmek için daha çok çalışmalıdır. Kurumların, çeşitli topluluklarla bağlantı kurmanın daha etkili yollarını bulması gerekiyor. Bu, çoğu orkestrada rutin hale gelen ve giderek eskiyen abonelik serisi formatı gibi, müzik sunmak için eski modelleri değiştirmek – hatta çöpe atmak – anlamına geliyorsa, öyle olsun.
Yine de, özellikle bu sanat formunun tamamen yok olma tehlikesiyle karşı karşıya olduğu 18 tehlikeli aydan sonra, onu her zamankinden daha çok seviyorum. Onu korumak ve sarsmak istiyorum.
Peki klasik müzik hakkında ne olmamalı değişti mi? The New York Times’ın klasik müzik baş eleştirmeni olarak 21 yıl sonra ayrılışıma yaklaşırken bunu düşünüyordum.
Yüzyıllar boyunca yaratılan repertuarı yüceltirken aynı zamanda bir dizi tanıdık esere saplanıp kalma konusunda endişelenmek tutarsız değil. Zımbalar genellikle iyi nedenlerle zımbalanır.
Puccini’nin “La Bohème”inin müzikal, dramatik ve duygusal zenginliği, hevesli bir kadro, iyi bir orkestra ve duyarlı yönetmen tarafından her sunulduğunda yeniden ortaya çıkıyor. Çaykovski’nin Keman Konçertosu kendi iyiliği için çok fazla icra edilmiş olabilir, ancak inkar edilemez: Nota ustaca, orijinal ve heyecan verici.
Bach’ın “İyi Temperli Clavier” – iki kitapta klavye için 48 prelüd ve füg – Batı müziğinin temel bir başarısıdır. Başlık sayfasında bu parçaların “öğrenmeyi arzulayan müzikal gençliğin kârı ve kullanımı için” olduğunu yazdı. ” Ve kendi çocuklarından başlayarak, nesiller boyu öğrenciler – ben dahil – bu parçaları okudu ve çaldı. Yine de muhteşem piyanist Jeremy Denk, bu ay 92. Cadde Y’de hafızadan ilk kitabı çıkardığında, performansı Bach’ın müziğinin ne kadar cüretkar bir şekilde yaratıcı ve müthiş karmaşık, ne kadar taze ve şaşırtıcı olduğunu hatırlattı.
Bununla birlikte, “standart repertuar” kavramı, Bartok ve Boulez, Stravinsky ve Kaija Saariaho, George Walker ve Judith Weir gibi bestecilerin katkılarını tam olarak kucakladığı anlaşılana kadar müziğin canlılığını azaltmaya devam edecek. . Müziğin parlak bir geleceği ve hikayeli bir tarihi olacaksa, bugünün bestecileri – Andrew Norman, Kate Soper ve Daniel Bernard Roumain gibi etkileyici sesler – bizi oraya götürecek. Lincoln Center Oda Müziği Topluluğu’nun bu sezon ana serisinde seslendireceği yaklaşık 100 parçadan sadece ikisinin yaşayan bestecilere ait olması ve hiçbirinin 21. yüzyılda yazılmamış olması ürkütücü.
Tommasini, 2013 yılında kar amacı gütmeyen Sing for Hope grubu tarafından New York çevresinde açık havada yerleştirilen 88 piyanodan birini çalıyor. Kredi. . . The New York Times için Philip Greenberg
Ama yine burada, uyarılara ve değişim çağrılarına geri dönüyorum. Alanla ilgili başka nelere değer verilmeli? Pürüzsüz, muhteşem ses müzik. Geniş bir opera binasının içinden geçen muhteşem bir ses. Güzel bir salonda çalan canlı bir orkestra. Sadece birkaç yüz kişinin kalabileceği samimi bir mekanda çalan yaylı çalgılar dörtlüsü.
Yaygın olarak güçlendirilmiş, akışlı, dijital olarak bağlantılı dünyamızda, klasik eserlerin ideal bir şekilde gerçekleştirildiği canlı alanlar, doğal akustiğin değerli korumalarıdır.
Tabii ki, bu deneyimlerin ambiyansının, sanki seyirciler kutsal tapınaklara giriyormuş gibi, seyrekleşmemesine dikkat etmeliyiz. Yine de, Carnegie Hall’da ünlü bir orkestrayı dinlemeye götürdüğüm yeni gelenler bile, genellikle parıldayan, yankılanan ses karşısında hayrete düşüyorlar. Bugün rutine bir mola, cihazları kapatma ve diğerleri arasında sessizce oturma daveti olarak klasik bir konser satma fırsatını kaçırıyor olabiliriz – bazen uzun süreler boyunca, odaklanmamızı gerektiren işleri, görkemli olabilecek müzikleri dinlerken , mistik, paramparça, hassas, buruk, çılgın, sersemletici veya yukarıdakilerin tümü.
20. yüzyılın başlarından bu yana, elektronik kaynaklar ses ve renk yelpazesini ve paletini önemli ölçüde genişletti. Olivier Messiaen, Steve Reich, Philip Glass, Meredith Monk, Osvaldo Golijov ve diğer birçok besteci, elektronik sesleri yaratıcı bir şekilde geleneksel topluluklara katlayan eserler yarattılar – transfix sonuçlarıyla.
Yine de, bestecilerin ve icracıların doğal akustikte amplifiye edilmemiş sesin büyüsünden asla vazgeçmeyeceklerini umuyorum. Broadway müzikalinin 1960’ların başlarında, amplifikasyonun yaygınlaştığı ve genellikle aşırıya kaçtığı bir dönemden başlayarak nasıl değiştiğini bir düşünün. Ethel Merman ve Ginger Rogers’ı “Girl Crazy”de amplifikasyonu olmayan bir tiyatroda duymanın ne kadar muhteşem olduğunu ya da Verdi baritonu olabilecek John Raitt’i “Carousel”de Billy’nin “Soliloquy” şarkısını söylerken duymanın ne kadar muhteşem olduğunu hayal edebiliyorum. ” O günler geçti.
Bu alanda haber yaptığım süre boyunca, geleneksel kariyer yollarının giderek sınırlı hale geldiğini ve büyük kurumların yeni nesil yaratıcıları görmezden geldiğini fark eden sanatçıların girişimci enerjisinden sürekli olarak etkilendim. . Deneysel müzik konserleri ve festivalleri sunan Bang on a Can gibi besteci-icracı kolektifleri ve toplulukları oluşturdular; ve genç müzisyenleri kendi gruplarını yaratmaya ve her yerde konserler vermeye çağıran ateşli bir ses olan flütçü Claire Chase tarafından kurulan International Contemporary Ensemble.
Genellikle zorunluluktan doğan bu girişimci eğilim, çok eskilere dayanmaktadır. 1780’lerin ortalarında, patronların ve imparatorluk makamlarının yoluna çıkmadığı zamanlarda, Mozart’ın birkaç yıllığına Viyana’da kendi konserlerini nasıl düzenlediğini – restoran balo salonu gibi bazı alışılmadık alanlar da dahil olmak üzere salonlar kiralayarak ve sıraya girdiğini okumayı seviyorum. oyuncular. Programlarında her zaman kendisi için yazdığı piyano konçertoları yer aldı. Mozart’ın günümüzde pek çok ardılı var, tıpkı JACK Quartet’in çağdaş müziğe inatla adanmış yaylı çalgıcılar; ve son olarak, misyonu disiplini bulandıran yeni eserler geliştirmek olan ve ana üyeleri arasında şarkıcılar, besteciler, yönetmenler, çalgıcılar ve dansçılar bulunan Amerikan Modern Opera Şirketi.
Ve Eylül 2020’de yine Central Park’ta, New York Filarmoni tarafından sunulan Ellen Reid’in mobil, uygulama tabanlı çalışması “Soundwalk”u deneyimlerken. Kredi. . . The New York Times için Justin Kaneps
Mükemmel konservatuarlarımızın ve üniversite müzik okullarımızın misyonu da değişmemelidir. Kelimeden de anlaşılacağı gibi, konservatuarlar bir geleneği sürdürmeye ve aktarmaya adanmıştır. Bu büyük kurumlardan birine öğrenci olarak gelmek alçakgönüllülüktür: Enstrümanınızı bir usta ile çalışırsınız; Müthiş besteciler tarafından verilen derslerde geçmişin harika eserlerini incelersiniz.
Ancak bu yerler aynı zamanda size güç verir. Bu kesinlikle bir lisans müzik bölümü ve ardından Yale’de yüksek lisans öğrencisi olarak deneyimimdi. Haftalar ve aylar boyunca, öğretmenim Donald Currier ile çalışan piyanistler, onun gözetimi altında düzenli olarak birbirleri için çaldılar. Daha büyük öğrencilerin Brahms’ın “Handel Varyasyonları”, Ravel’in “Gaspard de la Nuit”i ve Schumann’ın C’deki Fantezi gibi göz korkutucu eserlerde ilerleme kaydettiğini dinledim. Sonunda bu ikonik notalardan verdikleri performanslar müzik hayatımın önemli anları olmaya devam ediyor. Bir hevesle şöyle düşünürdüm: “Vladimir Ashkenazy’ye kimin ihtiyacı var? Bak ne yapabiliriz!”
Bugünün okulları aynı zamanda Latin Amerika müziğine adanmış bütün festivallere katılabileceğiniz yenilik ve çağdaş çalışmaların yuvalarıdır; John Adams’ın kendi eserlerini ve hayran olduğu eski besteleri yönettiğini duymak; ya da (bir zamanlar Boston Üniversitesi’nde yaptığım gibi) Britten’ın kronolojik sırayla icra edilen tüm şarkılarının sunulduğu bir dizi resitale katılın.
Amerika’daki şehirlerde ve kasabalarda, bu okullar zengin topluluk kaynaklarıdır ve izleyicilere resitaller, oda müziği, orkestra konserleri ve sahnelenen operaları – genellikle ücretsiz veya çok uygun fiyatlarla dinleme fırsatı sunar. Klasik müziğin elitist ve pahalı olduğu algısı bu kadar.
En önemlisi, müzikseverler eski ve yeni eserleri beceri, bağlılık ve duyarlılıkla çalan müzisyenlere karşı minnet duygusundan asla vazgeçmemelidir. Benim için bu liste, Rudolf Serkin, Arthur Rubinstein, Leonard Bernstein, Leontyne Price ve Renata Tebaldi gibi gençliğimin devlerinden Joyce DiDonato, Jennifer Koh, Davóne Tines ve Igor Levit gibi gelmeye devam eden heyecan verici yeni sanatçılara kadar uzanıyor.
Bunların hepsi yıldız. Yine de, daha az göze çarpan profilleri olan ve müzikte daha çok gündelik hayatlar yaşayan, kendini işine adamış, son derece yetenekli ve özverili sanatçılardan her zaman özellikle etkilenmişimdir – içgüdüsel olarak yeniye çekilirken eski repertuarı güzelce çalan sanatçılar; bir besteci arkadaşının galasında yer almaya her an hazır olan sanatçılar, çünkü müzisyen olmak bu anlama gelir ve her zaman bunu kastetmiştir. Yalnızca piyanistler arasında Sarah Cahill, Blair McMillen ve Conor Hanick’i ayırt edebilirim. Bu başarılı sanatçılar klasik müziğin iyi vatandaşlarıdır.
Ne zaman öğrencilerle veya yükselen profesyonel sanatçılarla işim hakkında konuşsam, yaptığım şeyin onlar kadar zor – ya da neredeyse gerekli – olmadığını, ama aynı tarafta olduğumuzu, hepimizin müzik istediğini söylerim. gelişmek ve yardımcı olabileceğim.
Yapmaya çalıştığım şey buydu.
Büyük orkestralar ve opera şirketleri, yaşayan bestecilerle ilişkileri geliştirmeyi birinci öncelik haline getirmeli ve kadın ve azınlık sanatçıları güçlendirmek için daha çok çalışmalıdır. Kurumların, çeşitli topluluklarla bağlantı kurmanın daha etkili yollarını bulması gerekiyor. Bu, çoğu orkestrada rutin hale gelen ve giderek eskiyen abonelik serisi formatı gibi, müzik sunmak için eski modelleri değiştirmek – hatta çöpe atmak – anlamına geliyorsa, öyle olsun.
Yine de, özellikle bu sanat formunun tamamen yok olma tehlikesiyle karşı karşıya olduğu 18 tehlikeli aydan sonra, onu her zamankinden daha çok seviyorum. Onu korumak ve sarsmak istiyorum.
Peki klasik müzik hakkında ne olmamalı değişti mi? The New York Times’ın klasik müzik baş eleştirmeni olarak 21 yıl sonra ayrılışıma yaklaşırken bunu düşünüyordum.
Yüzyıllar boyunca yaratılan repertuarı yüceltirken aynı zamanda bir dizi tanıdık esere saplanıp kalma konusunda endişelenmek tutarsız değil. Zımbalar genellikle iyi nedenlerle zımbalanır.
Puccini’nin “La Bohème”inin müzikal, dramatik ve duygusal zenginliği, hevesli bir kadro, iyi bir orkestra ve duyarlı yönetmen tarafından her sunulduğunda yeniden ortaya çıkıyor. Çaykovski’nin Keman Konçertosu kendi iyiliği için çok fazla icra edilmiş olabilir, ancak inkar edilemez: Nota ustaca, orijinal ve heyecan verici.
Bach’ın “İyi Temperli Clavier” – iki kitapta klavye için 48 prelüd ve füg – Batı müziğinin temel bir başarısıdır. Başlık sayfasında bu parçaların “öğrenmeyi arzulayan müzikal gençliğin kârı ve kullanımı için” olduğunu yazdı. ” Ve kendi çocuklarından başlayarak, nesiller boyu öğrenciler – ben dahil – bu parçaları okudu ve çaldı. Yine de muhteşem piyanist Jeremy Denk, bu ay 92. Cadde Y’de hafızadan ilk kitabı çıkardığında, performansı Bach’ın müziğinin ne kadar cüretkar bir şekilde yaratıcı ve müthiş karmaşık, ne kadar taze ve şaşırtıcı olduğunu hatırlattı.
Bununla birlikte, “standart repertuar” kavramı, Bartok ve Boulez, Stravinsky ve Kaija Saariaho, George Walker ve Judith Weir gibi bestecilerin katkılarını tam olarak kucakladığı anlaşılana kadar müziğin canlılığını azaltmaya devam edecek. . Müziğin parlak bir geleceği ve hikayeli bir tarihi olacaksa, bugünün bestecileri – Andrew Norman, Kate Soper ve Daniel Bernard Roumain gibi etkileyici sesler – bizi oraya götürecek. Lincoln Center Oda Müziği Topluluğu’nun bu sezon ana serisinde seslendireceği yaklaşık 100 parçadan sadece ikisinin yaşayan bestecilere ait olması ve hiçbirinin 21. yüzyılda yazılmamış olması ürkütücü.
Tommasini, 2013 yılında kar amacı gütmeyen Sing for Hope grubu tarafından New York çevresinde açık havada yerleştirilen 88 piyanodan birini çalıyor. Kredi. . . The New York Times için Philip Greenberg
Ama yine burada, uyarılara ve değişim çağrılarına geri dönüyorum. Alanla ilgili başka nelere değer verilmeli? Pürüzsüz, muhteşem ses müzik. Geniş bir opera binasının içinden geçen muhteşem bir ses. Güzel bir salonda çalan canlı bir orkestra. Sadece birkaç yüz kişinin kalabileceği samimi bir mekanda çalan yaylı çalgılar dörtlüsü.
Yaygın olarak güçlendirilmiş, akışlı, dijital olarak bağlantılı dünyamızda, klasik eserlerin ideal bir şekilde gerçekleştirildiği canlı alanlar, doğal akustiğin değerli korumalarıdır.
Tabii ki, bu deneyimlerin ambiyansının, sanki seyirciler kutsal tapınaklara giriyormuş gibi, seyrekleşmemesine dikkat etmeliyiz. Yine de, Carnegie Hall’da ünlü bir orkestrayı dinlemeye götürdüğüm yeni gelenler bile, genellikle parıldayan, yankılanan ses karşısında hayrete düşüyorlar. Bugün rutine bir mola, cihazları kapatma ve diğerleri arasında sessizce oturma daveti olarak klasik bir konser satma fırsatını kaçırıyor olabiliriz – bazen uzun süreler boyunca, odaklanmamızı gerektiren işleri, görkemli olabilecek müzikleri dinlerken , mistik, paramparça, hassas, buruk, çılgın, sersemletici veya yukarıdakilerin tümü.
20. yüzyılın başlarından bu yana, elektronik kaynaklar ses ve renk yelpazesini ve paletini önemli ölçüde genişletti. Olivier Messiaen, Steve Reich, Philip Glass, Meredith Monk, Osvaldo Golijov ve diğer birçok besteci, elektronik sesleri yaratıcı bir şekilde geleneksel topluluklara katlayan eserler yarattılar – transfix sonuçlarıyla.
Yine de, bestecilerin ve icracıların doğal akustikte amplifiye edilmemiş sesin büyüsünden asla vazgeçmeyeceklerini umuyorum. Broadway müzikalinin 1960’ların başlarında, amplifikasyonun yaygınlaştığı ve genellikle aşırıya kaçtığı bir dönemden başlayarak nasıl değiştiğini bir düşünün. Ethel Merman ve Ginger Rogers’ı “Girl Crazy”de amplifikasyonu olmayan bir tiyatroda duymanın ne kadar muhteşem olduğunu ya da Verdi baritonu olabilecek John Raitt’i “Carousel”de Billy’nin “Soliloquy” şarkısını söylerken duymanın ne kadar muhteşem olduğunu hayal edebiliyorum. ” O günler geçti.
Bu alanda haber yaptığım süre boyunca, geleneksel kariyer yollarının giderek sınırlı hale geldiğini ve büyük kurumların yeni nesil yaratıcıları görmezden geldiğini fark eden sanatçıların girişimci enerjisinden sürekli olarak etkilendim. . Deneysel müzik konserleri ve festivalleri sunan Bang on a Can gibi besteci-icracı kolektifleri ve toplulukları oluşturdular; ve genç müzisyenleri kendi gruplarını yaratmaya ve her yerde konserler vermeye çağıran ateşli bir ses olan flütçü Claire Chase tarafından kurulan International Contemporary Ensemble.
Genellikle zorunluluktan doğan bu girişimci eğilim, çok eskilere dayanmaktadır. 1780’lerin ortalarında, patronların ve imparatorluk makamlarının yoluna çıkmadığı zamanlarda, Mozart’ın birkaç yıllığına Viyana’da kendi konserlerini nasıl düzenlediğini – restoran balo salonu gibi bazı alışılmadık alanlar da dahil olmak üzere salonlar kiralayarak ve sıraya girdiğini okumayı seviyorum. oyuncular. Programlarında her zaman kendisi için yazdığı piyano konçertoları yer aldı. Mozart’ın günümüzde pek çok ardılı var, tıpkı JACK Quartet’in çağdaş müziğe inatla adanmış yaylı çalgıcılar; ve son olarak, misyonu disiplini bulandıran yeni eserler geliştirmek olan ve ana üyeleri arasında şarkıcılar, besteciler, yönetmenler, çalgıcılar ve dansçılar bulunan Amerikan Modern Opera Şirketi.
Ve Eylül 2020’de yine Central Park’ta, New York Filarmoni tarafından sunulan Ellen Reid’in mobil, uygulama tabanlı çalışması “Soundwalk”u deneyimlerken. Kredi. . . The New York Times için Justin Kaneps
Mükemmel konservatuarlarımızın ve üniversite müzik okullarımızın misyonu da değişmemelidir. Kelimeden de anlaşılacağı gibi, konservatuarlar bir geleneği sürdürmeye ve aktarmaya adanmıştır. Bu büyük kurumlardan birine öğrenci olarak gelmek alçakgönüllülüktür: Enstrümanınızı bir usta ile çalışırsınız; Müthiş besteciler tarafından verilen derslerde geçmişin harika eserlerini incelersiniz.
Ancak bu yerler aynı zamanda size güç verir. Bu kesinlikle bir lisans müzik bölümü ve ardından Yale’de yüksek lisans öğrencisi olarak deneyimimdi. Haftalar ve aylar boyunca, öğretmenim Donald Currier ile çalışan piyanistler, onun gözetimi altında düzenli olarak birbirleri için çaldılar. Daha büyük öğrencilerin Brahms’ın “Handel Varyasyonları”, Ravel’in “Gaspard de la Nuit”i ve Schumann’ın C’deki Fantezi gibi göz korkutucu eserlerde ilerleme kaydettiğini dinledim. Sonunda bu ikonik notalardan verdikleri performanslar müzik hayatımın önemli anları olmaya devam ediyor. Bir hevesle şöyle düşünürdüm: “Vladimir Ashkenazy’ye kimin ihtiyacı var? Bak ne yapabiliriz!”
Bugünün okulları aynı zamanda Latin Amerika müziğine adanmış bütün festivallere katılabileceğiniz yenilik ve çağdaş çalışmaların yuvalarıdır; John Adams’ın kendi eserlerini ve hayran olduğu eski besteleri yönettiğini duymak; ya da (bir zamanlar Boston Üniversitesi’nde yaptığım gibi) Britten’ın kronolojik sırayla icra edilen tüm şarkılarının sunulduğu bir dizi resitale katılın.
Amerika’daki şehirlerde ve kasabalarda, bu okullar zengin topluluk kaynaklarıdır ve izleyicilere resitaller, oda müziği, orkestra konserleri ve sahnelenen operaları – genellikle ücretsiz veya çok uygun fiyatlarla dinleme fırsatı sunar. Klasik müziğin elitist ve pahalı olduğu algısı bu kadar.
En önemlisi, müzikseverler eski ve yeni eserleri beceri, bağlılık ve duyarlılıkla çalan müzisyenlere karşı minnet duygusundan asla vazgeçmemelidir. Benim için bu liste, Rudolf Serkin, Arthur Rubinstein, Leonard Bernstein, Leontyne Price ve Renata Tebaldi gibi gençliğimin devlerinden Joyce DiDonato, Jennifer Koh, Davóne Tines ve Igor Levit gibi gelmeye devam eden heyecan verici yeni sanatçılara kadar uzanıyor.
Bunların hepsi yıldız. Yine de, daha az göze çarpan profilleri olan ve müzikte daha çok gündelik hayatlar yaşayan, kendini işine adamış, son derece yetenekli ve özverili sanatçılardan her zaman özellikle etkilenmişimdir – içgüdüsel olarak yeniye çekilirken eski repertuarı güzelce çalan sanatçılar; bir besteci arkadaşının galasında yer almaya her an hazır olan sanatçılar, çünkü müzisyen olmak bu anlama gelir ve her zaman bunu kastetmiştir. Yalnızca piyanistler arasında Sarah Cahill, Blair McMillen ve Conor Hanick’i ayırt edebilirim. Bu başarılı sanatçılar klasik müziğin iyi vatandaşlarıdır.
Ne zaman öğrencilerle veya yükselen profesyonel sanatçılarla işim hakkında konuşsam, yaptığım şeyin onlar kadar zor – ya da neredeyse gerekli – olmadığını, ama aynı tarafta olduğumuzu, hepimizin müzik istediğini söylerim. gelişmek ve yardımcı olabileceğim.
Yapmaya çalıştığım şey buydu.